Presse-Echo  

In der Dunkelheit erscheint die Bühne als Blackbox. Leuchtende Rechnermäuse zersetzen diesen Eindruck. Das sind Tonproduzenten, die den Zuhörer zu assoziativen Ausholbewegungen veranlassen. Vielleicht klingt in den Ohren eines Wals ein U-Boot auf Schleichfahrt so wie das, was der im Erzgebirge gebürtige und bei Leipzig lebende Komponist und Instrumentenbauer Erwin Stache im Jubiläumsauftrag der nun seit zwanzig Jahren bestehenden Projektgruppe "Kultur im Ghetto" mit dem Frankfurter Jugend-Musik-Ensemble auf der Bühne des Gallus-Theaters akustisch installiert.

Zunächst dominieren maritime Vergleiche den Einfühlungsvorgang in das gleichermaßen kompositorische, choreografische und objektartige Unterfangen mit dem enigmatischen Titel Zahlen! Spiele? Stache ist von Haus aus auch Mathematiker und Physiker. Er zählt zu den DDR-Pionieren der elektronischen Musik. Womöglich helfen solche Informationen dem Verständnis der in mehrfacher Hinsicht wirksamen Anlage auf die Sprünge, mit der zurzeit im Gallus-Theater kleine Klangwunder und Tonattacken erzeugt werden, die wie surrealistische Assemblagen aufgenommen werden können. Sie heißen "Mäuse", "Münzen" - oder "Flaschen". Da schaffen die jungen Musiker mit präparierten Plastikflaschen einen Sound, mit ständigem "Frankfurtbezug", entsprechend des Arbeitsauftrags.

Ähnlich greifbar aufzufassen ist der instrumentelle Einsatz von Maurerwerkzeug in einer Komposition von Stefan Schleiermacher. Schwieriger scheint eine verbale Übersetzung des "Kilo-Ohm"-Erlebnisses. Dabei agiert das Ensemble an Metallstangen, die als "stehende Objekte" mit einem elektronischen System verbunden sind, das permanent den Widerstand zwischen den Stangen misst. Die artistisch doppelt verpflichteten Akteure bringen eine Geräuschkulisse auf die Bühne, indem sie manuell Verbindungen zwischen den Stangen herstellen. Was bei diesem Vorgang visualisiert wird, evoziert das Bild von einem Maschinentanz, wie überhaupt viele Abläufe in Zahlen! Spiele? eher an einen Geräte-Einsatz als an eine Kunsttat denken lassen.

Die Stadt kommt als Börsenplatz vor, wenn die stets auch darstellend agierenden Musiker mit aufgesagten Kurs-Angaben eine Maschine gleichsam füttern, die den Text so wiedergibt, dass er blechern wie ein Wehrmachtsbericht aus dem Volksempfänger klingt. Solche Metamorphosen sind beeindruckend, zumal man sie unwillkürlich in einen Zusammenhang mit aufwendiger Technik setzt. Dieser Aspekt entfällt in einem Stück, bei dem Stühle in einem Kreis herumgeschoben werden. Aber auch hier ist die Wirkung erstaunlich, weil einem Alltagsgeräusch eine neue Wahrnehmungschance gegeben wird. Bei Gelegenheit ringt der Komponist am Klavier mit den Händen und auf einer Leinwand wird ein Kampf unter Schuhen als Projektion gezeigt.

Die akustische Dimension der Auseinandersetzung hängt mit Kontaktplatten zusammen. Sie werden getreten, wie die Armen dieser Welt. Diese Assoziation ist vom Veranstalter gewollt. Als musikalische Kapitalismuskritik lässt sich indes das Stachige Ganze nicht begreifen, vielmehr als eine eigene, die Hörgewohnheiten des Publikums herausfordernde Sphäre. Es ist Musik und Mehr, kurz eine musikalische Mär vom Glück der Geräusche und befreiten Tönen.

RÖDELHEIM  Gerademal acht Jahre war Emil Mangelsdorff alt, als Hitler in Deutschland die Macht ergriff. Schon als kleiner Junge habe er die Vorgehensweisen des unmenschlichen Systems erkannt: „Ich wuchs in einem antifaschistischen Haushalt auf" sagte der Jazzmusiker. Sein Vater, ein Buchbinder, führte ihn früh in die Literatur der Arbeiterbewegung ein und lehrte ihn auch "den friedlichen Ungehorsam". Etwa gegenüber einem nationalsozialistischen Milchmann in der Straße, den der junge Emil partout nicht mit "Heil Hitler" zurück grüßen wollte. Der Vater riet ihm deshalb, dem renitenten NS-Mann „Drei Liter" zu entgegnen.

Die Familie Mangelsdorff lehnte die Propaganda des Nazistaates ab und hörte ausländische Radiosender: Emils erste Begegnung mit der Musik. "Auf Radio Luxemburg hörte ich mit zehn zum ersten Mal Duke Ellington und Louis Armstrong", erinnert sich Mangelsdorff. Von da an habe ihn der Jazz nicht mehr losgelassen, erzählt er der Zuhörerschar in der evangelischen Cyriakuskirche. Mit zwölf Jahren erhielt er das erste Akkordeon von seinen Eltern, auf dem er fortan versuchte, die Stücke der afroamerikanischen Vorbilder nachzuspie!en. Mit Erfolg, denn kurze Zeit später trat der jugendliche Musiker in dem ehemaIigen Frankfurter Lo­kal "Rack" auf und unterhielt das dortige, viel ältere Publikum an den Wochenenden. 

"Zu dieser Zeit spürte ich allerdings schon einen scharfen Wind gegen meine Musik", erzählt Mangelsdorff. Die Hetze in Zeitungsartikeln gegen den von den Nazis abwertend als „Dschungelmusik“ titulierten Jazz mehrte sich. Die Ausstellung "Entartete Musik" wurde 1938 eröffnet, die den Besuchern verdeutlichen sollte, welche Musik sie in Zukunft meiden sollten. Die sogenannte "Swing-Jugend" mit ihrer "Nigger-Musik" müsse in Arbeits- oder Konzentrationslager, hieß es damals. In den Schulen wurden Denunziantenberichte gesammelt, auch über Mangelsdorff. Immer häufiger kamen Gestapobeamte ins "Rack“, um die dortige Liedauswahl zu kontrollieren. Mit einem Mal waren englische Titel strikt verboten. "Wir wurden für geistesgestört erklärt und unsere Schallplatten in den Main geworfen", berichtet Mangelsdorff. Der junge Musiker gab jedoch nicht auf und umging das Verbot raffiniert, indem er den Songs einfach deutsche Titel gab. So wurde aus einem "Tiger Rag“ beispielsweise "Die Löwenjagd im Taunus“. Trotz aller Vorsicht wurde Mangelsdorff jedoch schließlich von der Gestapo verhaftet und ohne Prozess für 20 Tage eingesperrt. Die Verehrung für die amerikanische Musik aber  blieb ungebrochen: Mit 16 Jahren kauften die Eltern dem musikalischen Antifaschisten ein professionelles Akkordeon und er begann das Studium der Klarinette an der Musikhochschule Frankfurt.

„Die Nationalsozialisten haben mir mehrere Jahre meines Lebens genommen“, bilanziert Mangelsdorff. Denn kaum Student, wird er einberufen und 1944 nach Russland in den Krieg geschickt. Nach der Kapitulation gerät der damals 20-jährige für fast fünf Jahre in Kriegsgefangenschaft. Danach erst erlangt er endlich die Freiheit für sich und seine Musik.

Markus Bulgrin

    Ankündigung 18.01.05 (Christian Rupp):

«Kultur im Ghetto» feiert mit Stache-Konzert 20-jähriges Bestehen

Frankfurt (dpa) ­ Mit einer Uraufführung für präparierte Flaschen des Komponisten Erwin Stache feiert die Projektgruppe «Kultur im Ghetto» an diesem Mittwoch (19. Januar) ihr 20-jähriges Bestehen. «Kultur im Ghetto» organisiert in Frankfurt kulturelle Veranstaltungen in Stadtteilen, die von den etablierten Anbietern nicht erreicht werden. Seit ihrem Bestehen hat die Initiative rund 200 Konzerte und Ausstellungen angeboten.

Wie «Kultur im Ghetto» am Montag in Frankfurt weiter mitteilte, ließ sich der Leipziger Komponist Stache für das Jubiläums-Konzert «Zahlen!Spiele?» von Frankfurt als «Bankenstadt» inspirieren. In dem Konzert thematisiert der Komponist mit Plastik-Flaschen den Fluglärm. Eine getanzte Choreografie auf Kontaktplatten, die beim Betreten Töne erzeugen, soll auf die bestehenden Gegensätze zwischen Arm und Reich hinweisen.

Morgendlichen Reinigungskolonnen widmet sich eine Komposition für einen selbst erfundenen «Sprachwagen». Dieser erzeugt elektronisch beim Fahren verfremdete Worte. Stache ist in der Musikszene durch seine Erfindungen von ungewöhnlichen Instrumenten bekannt geworden. In Frankfurt trat er 2003 mit dem Ensemble Modern auf.
 

FRANKFURTER NOTEN

Fluglärm in Flaschen

Mit einer Uraufführung für präparierte FIaschen des Komponisten Erwin Stache feiert die Frankfurter Projektgruppe „Kultur Im Ghetto" im Gallus-Theater morgen Abend um 20,00 Uhr ihr 20jähriges Bestehen. „Kultur im Ghetto" organisiert kulturelle Veranstaltungen in Stadtteilen der Mainmetropole, die von den etablierten Anbietern nicht erreicht werden. Die Projektgruppe versteht ihre Arbeit von Beginn an so, dass gesellschaftlich relevante Themen aufzugreifen und von kompetenten Musikern in Töne zu setzen sind. Seit ihrem Bestehen hat die Initiative rund 200 Konzerte und Ausstellungen angeboten.

Wie "Kultur im Ghetto“ gestern in Frankfurt mitteilte, ließ sich der Leipziger Komponist Stache für das Jubiläumskonzert "Zahlen!Spiele?" von Frankfurt als "Bankenstadt" inspirieren. In dem Konzert thematisiert der Komponist mit Plastikflaschen den Fluglärm. Eine getanzte Choreographie auf Kontaktplatten, die beim Betreten Töne erzeugen, soll auf die bestehenden Gegensätze zwischen Arm und Reich hinweisen. Morgendlichen Reinigungskolonnen widmet sich eine Komposition für einen selbsterfundenen "Sprachwagen". Dieser erzeugt elektronisch beim Fahren verfremdete Worte.

Stache ist in der Musikszene durch seine Erfindungen von ungewöhnlichen Instrumenten bekannt geworden. Er ist Preisträger von "Musik Kreativ", gestaltete für "Kultur im Ghetto" schon 1997 das Projekt "Arbeitswelt und Musik" und 1999/2000 "dans lesson".1998 war er Gast des Ensemble Modern und 2003 bei "pol".

FR 18. Nov. 2002 Bernhard Uske

Michael Sell

Klangspekulanten

Die lange Nacht der Börse will und will nicht weichen und beschert so manchem Anleger heftige Schlaflosigkeit. Die "lange Nacht der Börse", die Michael SeIl samt Hölderlin-Trio und Jugend·Musik-Ensemble verantwortete, dauerte gerade einmal fünf einhalb Stunden und bescherte den Zuhörern ein wahres Kursfeuerwerk. "Neueste Musik zur ältesten und fragwürdigsten Institution der Finanzmetropole Frankfurt am Main, basierend auf einet Suite aus dem Jahre 1720 von Georg Philipp Telemann" hatte der Veranstalter, Kultur im Ghetto, das stadtraumgreifende Wandelkonzert genannt. Vier Gotteshäu­ser waren für das Projekt gewonnen worden, einen musikalischen Parketthandel jenseits des "Orts bar jeder Vernunft" zu eröffnen.

Statt Bär und Bulle, den Symbolen der freien Wildbahn, hier also das Kreuz - das Kreuz mit der Börse. Da aber bei der Scheinwelt Kunst im Gegensatz zur Scheinwelt Börse immer klar ist, dass nur gespielt wird, war es eine wahrhaft beglückende, vierteilige Börsensitzung. Da waren selbst die wildesten Kurssprünge, Spekulationskäufe und gellenden Abstürze, für die SeIls zerklüftete, rasant-rabiate Klangsprache wie geschaffen ist, als ohrenfällige Gewinnmitnahmen hochwillkommen. In Bornheims Johanniskirche, in Sachsenhausens Dreikönigskirche, in der Nikolaikirche am Römerberg und in St. Katharinen bot das Hölderlin-Trio kleinere und größere Motiv·Klümpchen und Intervallbrocken vom alten Telemann in einem gärenden und überquellenden Klang­Auflauf, der den perfekten Sell-Analysten Burba (tr), Prappacher (vIa) und Riermei. er (perc) mittlerweile, und nach den vier Durchläufen erst recht, Leib· und Magengericht ist.

Das Finale in St. Nicolai hatte tatsächlich etwas von einer rauschenden Nikolausbescherung, wo sich Anleger-Gläubigkeit und Dax-Beschränktheit zum schönsten Klangspekulatius gewandelt haben. Als Kontrastfolie zur Telemann-Dekonstruktion gab es Teile aus dem Original, das so sinnige Satztitel hat wie Die besiegten Sieger und Die gemeinsame Einsamkeit, gespielt von den beherzten Mitgliedern des blutjungen Laienorchesters unter Leitung des 22jährigen, animierenden Christian Münch. usk

Eisenacher Allgemeine am 24. Juni 2008

Erstklassige Ensembles

Ein Resümee zum Auftaktwochenende der Telemann-Tage

"Echo nomia 4.4" heißt das Stück, komponiert von Pinguin Moschner im Auftrag der Projektgruppe Kultur im Ghetto als Reflex auf die kontroverse Diskussion um ein Mahnmal für eine gerechte Weitwirtschaftsordnung, das nach dem Willen der Initiative im Bankenviertel einen Platz flnden soll. Man hört Moschners Werk den schwergewichtigen Anlass an, schneidende, kurze, abgerissene Töne diktieren das bedrohliche Geschehen, das den Aufschrei und die Ohnmacht zu musikalisieren scheint und doch, gegen Ende, die Utopie nicht vergisst. Allmählich erhalten melodische Gestalten Eingang in die geballte Textur, und schließlich finden sich die vier Tubastimmen zu einem Abgesang zusammen, der zu vorsichtig und zart ist, um kitschig oder verklärt zu wirken". 

In Moschners Komposition mit ihren weiten improvisatorischen Anteilen wird für die Konzertbesucher erfahrbar, wie Arbeitsteilung durch ständig neue Verteilung der Rollen in der Gruppe wirksam ist. Hier wird die Emanzipation der Instrumente anschaulich umgesetzt. Und es ist unvorstellbar, daß kompetentes Musizieren auch anders möglich sein könnte.

"Lustvoll und mit sicherem Ohr loten die vier die schier endlosen Grenzbereiche zwischen Ton und Geräusch aus und präsentieren so ein Spektrum, das seinesgleichen sucht.
...Manche Klänge scheinen aus einer Urtiefe des musikalischen Raums zu kommen, von der nicht einmal Richard Wagners Rheingold-Eröffnung eine Ahnung hatte, andere wiederum schweben und scheinen fast durchsichtig. Und manche wieder sind gar nicht wirklich identifizierbar, ähneln mal menschlichen Lauten, mal elektronisch verzerrten Didgeridooklängen. Bis man die Augen öffnet und nichts sieht außer Blech, viel, viel Blech. Und spätestens dann wird einem klar, dass die Welt zu klein ist für eine Tuba."
 

Nur die Ruhe. Vier Tuben, das ist zwar viel glänzendes Metall, aber das European Tuba Quartet produziert damit keinen Demonstrations-Lärm, auch wenn es in dem zentralen Werk des Abends, Pinguin Moschners Echo-Nomia 4.4., um die musikalische Thematisierung einer gerechten Weltwirtschaftsordnung geht, für die das Stück als immaterielles und daher an jedem Ort inszenierbares Mahnmal konzipiert ist.

Weil es von vier Blasmusikern aufgeführt wird, die dafür keinen Strom brauchen, ist es optimal beweglich, und die massive Präsenz der vier Instrumente und Instrumentalisten gibt jeder Aufführung zugleich den Charakter einer Klanginstallation.

Dem fügt sich auch die musikalische Gestalt des European Tuba Quartet. Die Kompositionen sind klar gebaut, so dass man strukturelle Verläufe während der Aufführung gut nachvollziehen kann, und die Klanggebung folgt der Absicht, den Raum zu füllen und die Ungeduld pulsender Rhythmen zu suspendieren.

Der handwerkliche, physische Charakter der Musik, das Atmen und das sorgfältige Gestalten sind stets zu spüren. Schrille, scharfe Töne und dissonante Reibungen sind keine Tabuzonen, sondern dienen einer Kontrastbildung, die bei aller versammelten Ruhe der Musik eine enorme Lebendigkeit und Ereignisdichte geben.

Im halligen Innenraum einer Kirche (die Frankfurter Projektgruppe Kultur im Ghetto richtete ein Konzert in der Katharinenkirche und eines in der Weißfrauenkirche aus) entstehen zuweilen entkonturierte, schwebende Klanggebilde, mit denen die Aufführung der vier Tubisten rechnet und deren Wolkigkeit die Aufmerksamkeit nach oben zu lenken scheint.

Und vielleicht ist das diffuse Oben ja der utopische Ort, an dem wir Hoffnungen (wie die auf eine gerechte Weltwirtschaftsordnung) unwillkürlich zuallererst lokalisieren. Anlass des Konzerts war unter anderem das Erscheinen einer CD mit dem gespielten Repertoire, das mit der intelligenten, klangreichen und bei aller Klarheit immer auch überraschenden Musik des European Tuba Quartet bekannt macht.

European Tuba Quartet: Die CD heißt wie das zentrale Werk darauf Echo-Nomia 4.4
und ist erhältlich bei info@buch-ton.com
 

    Zurück  P

oe1-orf

Freitag, 27. Februar 2004  -  23:05 Uhr
 

 Hertz-Damen auf Flügeln zum Super-Paradies
 Die vielen Facetten des Michael Sell

Opus 5593 "Tod und Wiedergeburt , opus 31800 "Sonett", opus 16696 "Super Paradise". Michael Sell wurde als Komponist mit den vier- und fünfstelligen Opus-Zahlen bekannt. Doch handelt es sich nicht um einen Gag; diese Nummerierung bezeichnet einfach das Datum der Fertigstellung des jeweiligen Werkes - und der 5. Mai 1993 lieferte eben die Opus-Zahl 5593.

Dass damit ein enormer Output an Werken suggeriert wird, entspricht durchaus dem Schaffensdrang des Frankfurter Komponisten. Unzählige Details in seinen Werken sind als eigenständige kompositorische Lösungen (und selbst als Kompositionen) zu verstehen, die durchaus als eigenes Opus gesehen werden können. In vielfacher Verknüpfung und Variation werden sie in diverse Musikstücke von Michael Sell eingebracht.

Grafische Partitur
Der 1942 in Königstein im Taunus geborene Michael Sell hat immer schon eigene Wege verfolgt und ganz besondere Methoden entwickelt, um seine musikalischen Vorstellungen zu verwirklichen. Er begann schon früh, seine Kompositionen auf riesigen Partitur-Seiten darzustellen, die bis in Details der Phraseologie erschöpfend festgehalten wurden.
Auch schreibt er seinen Musikern einzigartige Spielweisen vor: Ein Alphorn wird mit einem Fagott-Mundstück geblasen, ein Schlagzeuger schlüpft in einen präparierten Anzug, um als "Kriech-Perkussionist" tätig zu werden. Und zur Verdeutlichung seiner detaillierten Notationen malt Michael Sell nun auch farbige grafische Partituren, um sich den Musikern assoziativ mitzuteilen. Solche hat er auch als Cover für diverse CD-Alben verwendet.

Zerschnittene Businen
"Tod und Wiedergeburt" etwa heißt ein Stück, für das die Musiker eines Businen-Orchesters (Businen sind einfache Blechinstrumente, die früher als Signalhörner auf Baustellen verwendet wurden) ihre Instrumente zerschneiden und sie auf Holzbretter nageln. Die so entstandenen Skulpturen werden zum Teil der nächsten "Groß-Partitur", wie Michael Sell seine musikalischen Grafiken nennt, etwa für die Stücke für drei Flügel, die untereinander um jeweils drei Hertz verstimmt sind.
Da wiederum ist jede Konstellation von Tönen und Akkorden genau ausgehört, jeder Effekt der "Verstimmung" exakt vorausbestimmt und als Verführung in ein opulentes Klangbad angelegt - und dann gibt es diese Stücke in "schattensynchronen Vervielfältigungen" durch Arrangements für Bläser, Perkussions-Quartett und Ringmodulator in mikrotonaler Kontrapunktik.

Ein Musiker auf solitärem Weg
Michael Sell wuchs in einer Musiker-Familie auf, spielte seit seiner Kindheit diverse Instrumente, am liebsten die Trompete. Als Student fand er den Weg vom Old Time Jazz zum Modern Jazz. Er gründete ein eigenes Trio, mit dem er sogar eine LP aufnahm, bei der als Gast der Saxophonist Heinz Sauer mitwirkte, ein Weggefährte des Avantgarde-Posaunisten Albert Mangelsdorff.

Mit eigenem Quartett ging er 1978 im Auftrag des Goethe-Institutes auf Tournee durch Jugoslawien. Und Michael Sell nahm dies zum Anlass, nur mehr eigene Kompositionen zu spielen. Eine LP mit dem Titel "Jugoslawische Quartette" dokumentiert diesen Durchbruch.

Raum-Musik
1988 entstand für das Musikfest in Donaueschingen das Werk "Sechs Fürsprüche" für Soli, Chor und Orchester. Im Auftrag der Alten Oper Frankfurt schrieb Sell das Oratorium "Hiroshima mon amour" nach Texten von Marguerite Dumas.

Doch auch diese Arbeiten für herkömmliche Orchester und Ensembles scheinen Sells kompositorische Ideen allzu sehr eingeschränkt zu haben. In der "Raum-Musik" von 1994 wird die Akustik selbst thematisiert.

  Zurück